Parcours de visite FR : Exposition « Invitation à Daniel Buren. « Plantations » : travaux « in situ », 2026 / Collections »

Invitation à Daniel Buren. Plantations : travaux in situ, 2026

Cet été, le musée des impressionnismes Giverny invite Daniel Buren à investir les espaces du musée. Cet artiste contemporain français, né en 1938, utilise depuis 60 ans un outil visuel, les bandes verticales alternativement blanches et colorées de 8,7 cm d’épaisseur, devenues un réel signe distinctif de son travail. Elles lui permettent de questionner et révéler un lieu, une architecture, un paysage, dans des travaux toujours réalisés in situ. Installées à travers le monde dans l’espace public et dans des lieux d’art, ses œuvres jouent sur les points de vue, la couleur, l’espace, la lumière et le mouvement.

Avec Plantations, travaux in situ, Daniel Buren propose une création   inédite, qui s’étend des jardins à l’intérieur du musée, faisant dialoguer l’environnement de Giverny et les œuvres de la collection du musée. Un siècle après la disparition de Claude Monet, l’artiste prolonge certaines intuitions fondamentales des peintres impressionnistes, intéressés par les effets changeants de la couleur et de la lumière dans la nature. Mais là où Monet et Caillebotte peignaient les frémissements de l’eau, des paysages ou du ciel, Buren inscrit ses œuvres dans l’espace même où nous nous déplaçons, faisant de la perception un phénomène mouvant et toujours renouvelé.

Collections

À la seconde moitié du XIX^e siècle, la peinture de paysage gagne un souffle nouveau. Les jeunes générations d’artistes quittent l’atelier et peignent désormais sur le motif, au plus près de la nature. Grands représentants de cette nouvelle manière de peindre et de cette nouvelle sensibilité, les impressionnistes se saisissent du plein air et des paysages, qu’ils traduisent par des touches vibrantes et des couleurs vives. 

La nature de Giverny les fascine.Blanche Hoschedé-Monet, belle fille de Claude Monet, s’immerge dans les jardins de l’artiste. De la même manière, de jeunes peintres américains, tels que Theodore Earl Butler et John Leslie Breck, en quête des paysages à saisir sur le motif, découvrent le village et peignent aux côtés du maître de l’impressionnisme. 

Peintres des couleurs et des lumières changeantes, les impressionnistes se sont aussi particulièrement intéressés à la représentation du ciel et à la dilution des motifs sur la surface de l’eau. Ainsi, chez Theodore Earl Butler et Théodore de Broutelles, l’eau et le ciel se confondent dans des effets de nuit aux jeux de reflets mystérieux. Quant à Eugène Boudin, le « roi des ciels » (Baudelaire), il place la ligne d’horizon très bas, accordant une place centrale aux effets atmosphériques et aux mouvements des nuages.

Claude Monet, lui, adopte un cadrage très radical, qui annonce les compositions audacieuses de la peinture moderne. Dans Nymphéas avec rameaux de saule, une œuvre tardive, la ligne d’horizon est cette fois absente. Très inspiré des estampes japonaises qu’il collectionne avec passion, il déploie le motif du bassin sur l’ensemble de la composition.

Éphémère et fugace, la lumière constitue l’un des motifs essentiels pour les peintres de la nature, fascinés par l’éclat du soleil et ses effets sur le paysage. Certains, dans le sillage de Claude Monet, à travers le procédé de la série, étudient un même motif observé selon différentes variations lumineuses, comme le peintre américain William Samuel Horton. L’immersion dans la nature est alors la trajectoire commune des artistes en quête de motifs éphémères.

Mais que reste-t-il du paysage lorsqu’on supprime la couleur – notamment dans le jardin de Monet, célèbre pour ses parterres fleuris ? Les photographies en noir et blanc prises par des artistes tels que Henri Foucault, Olivier Mériel ou Jean Gaumy nous révèlent une autre beauté des lieux, une beauté des lignes, des perspectives, des textures et des contrastes. 

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