Percorsi di visita IT : Mostra “Invito a Daniel Buren. « Piantagioni »: lavori « in situ », 2026 / Collezioni »

Invito a Daniel Buren. Piantagioni: lavori in situ, 2026

Quest’estate, il Museo degli impressionisti Giverny invita Daniel Buren a investire negli spazi del museo. Questo artista contemporaneo francese, nato nel 1938, utilizza da 60 anni uno strumento visivo, ovvero strisce verticali bianche e colorate, alternate, di 8,7 cm di spessore, diventate un segno caratteristico del suo lavoro. Queste strisce gli permettono di scoprire e raccontare un luogo, un’architettura, un paesaggio, in lavori sempre realizzati in situ. Installate in tutto il mondo in spazi pubblici e in luoghi d’arte, le sue opere giocano su elementi come i punti di vista, il colore, lo spazio, la luce e il movimento.

Con Piantagioni: lavori in situ, Daniel Buren propone una creazione inedita che si estende dai giardini all’interno del museo, facendo dialogare l’ambiente di Giverny e le opere della collezione del museo. Un secolo dopo la scomparsa di Claude Monet, l’artista riprende alcune intuizioni fondamentali dei pittori impressionisti, interessati agli effetti cangianti del colore e della luce nella natura. Ma laddove Monet e Caillebotte dipingevano le increspature dell’acqua, dei paesaggi o del cielo, Buren inserisce le sue opere nello spazio stesso dove noi ci muoviamo, rendendo la percezione un fenomeno mutevole e sempre nuovo.

Collezioni

Nella seconda metà del XIX secolo, la pittura del paesaggio ha un nuovo impulso. Le giovani generazioni di artisti lasciano lo studio e dipingono dal vivo, molto più vicini alla natura. Perfetti rappresentanti di questa nuova maniera di dipingere e di questa nuova sensibilità, gli impressionisti si immergono nella natura e nei paesaggi, che raffigurano con tocchi vibranti e colori vivaci. 

La natura di Giverny li affascina.Blanche Hoschedé-Monet, figliastra di Claude Monet, si immerge nei giardini dell’artista. Allo stesso modo, giovani pittori americani, come Theodore Earl Butler e John Leslie Breck, in cerca di paesaggi da ritrarre dal vivo, scoprono il borgo e dipingono accanto al maestro dell’impressionismo. 

Gli impressionisti, pittori che utilizzano colori e luci cangianti, sono particolarmente interessati anche alla rappresentazione del cielo e alla diluizione dei motivi sulla superficie dell’acqua. Così, Theodore Earl Butler e Théodore de Broutelles ritraggono l’acqua e il cielo in parti uguali nello spazio pittorico, con giochi di riflessi misteriosi che li confondono. Eugène Boudin, il “re dei cieli” (Baudelaire), traccia invece la linea dell’orizzonte molto in basso, ponendo al centro gli effetti atmosferici e i movimenti delle nuvole.

E Claude Monet punta su una scena molto radicale, innovando sempre più e orientandosi verso la modernità. In Ninfee con rami di salice, opera tardiva, la linea dell’orizzonte è praticamente inesistente. Molto ispirato alle stampe giapponesi che colleziona con passione, il suo stagno si estende in tutto lo spazio della composizione.

Effimera e fugace, la luce costituisce uno dei motivi essenziali per i pittori della natura, affascinati dal bagliore del sole e dai suoi effetti sul paesaggio. Seguendo le orme di Claude Monet, attraverso il percorso della serie, molti studiano uno stesso motivo osservato in base a differenti variazioni luminose, come il pittore americano William Samuel Horton. L’immersione nella natura è quindi il percorso comune degli artisti alla ricerca di motivi effimeri.

Ma cosa resta del paesaggio quando si elimina il colore? Soprattutto nel giardino di Monet, famoso per i suoi parterre fioriti. Le fotografie in bianco e nero scattate da artisti come Henri Foucault, Olivier Mériel o Jean Gaumy ci svelano la bellezza dei luoghi da un’altra angolazione, una bellezza delle linee, delle prospettive, delle consistenze e dei contrasti. 

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Invitation to Daniel Buren, « Plantations »: « in situ » works, 2026 / Collections